現代美術ギャラリーCONTEMPORARY ART GALLERY

1970 年から作品制作を開始し、以降自然を自らの主なメディアとしてオーストリア国内外で作品を発表してきた。「純正や真実の美学、そして秩序の力に抗する」実践として自らの創作を位置づけ、いわゆる人里植物と呼ばれる、人為による撹乱が激しい環境に生きる植物の存在を一貫してその創作の源とした。
本展では、ワインバーガーのフィールドでの実践を通して植物にむけられたそのまなざしを辿る。アーティストの思考のプロセスを巨大な地図として可視化した作品群「フィールドワーク」からは、歩行から連想される言葉を記した2004 年の作品を含む2 点を出展。また、11 年間かけて収集された624 点の雑草のスライド《ガーデンアーカイヴ》（1988-1999。本展ではデジタル化した複製版を展示）や、ベルリン市旧東ドイツ側の荒涼とした一帯からの景色を「飼い慣らされることのない、より『自然』な都市」の姿として撮影した写真作品などを含む十数点のドローイングや写真、詩作、行為の記録を展示する。
主な個展：ロイス・ワインバーガー展「見える自然／見えない自然」（ワタリウム美術館、2019）、Lois Weinberger|Gift（S.M.A.K、ゲント、2014）、Lois Weinberger（ウィーン・ルートヴィヒ財団近代美術館、2000）
主なグループ展、芸術祭等：ドクメンタ14（カッセル、アテネ、2017）、ヴェネチア・ビエンナーレ（オーストリア館、2009、フランツェスカ・ワインバーガー
との共作)、エンプティ・ガーデン（ワタリウム美術館、1999）、ドクメンタ10（カッセル、1997）
作家HP：http://www.loisweinberger.net/

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1990年代末より北海道の風景と歴史に着目した写真作品の制作を始める。「通常『写真家』は『出来事』に遅れて到着する」という露口は、出来事の結果を写しとるのではなく、文献や資料をたよりにひとつの場所を繰り返し訪れ、環境のなかに身を置くことで、そこに起こり続ける変化を捉えることを試みてきた。本展では、露口の代表的な連作「自然史」（2011～）と「地名」（1999～2017）を通して、場所に起こり続ける「ずれ」や「ねじれ」、そして「切断」に焦点をあてる。
2011年に制作を開始した「自然史」は、それぞれの歴史や場所性をもった風景を繰り返し訪れ撮影し、異なる時点での風景を並置して見せる連作である。アイヌ文化の拠点であった漁川や沙流川の流域、古来より人間と自然の物理的・精神的交流の謂れをもつ吉野川、福島の帰還困難地区、そしてその境界線－これらの場所を捉えた写真は、「徐々にしかし着実に浸透してくる『自然』とよばれるもの」に覆われた風景の間に人為を超えた空間が存在することを示唆している。一方、「地名」は、かつてアイヌ語の音で呼ばれ、幕末期のカタカナ表記、その後の漢字表記を経るなかで場所に発生した意味のねじれや切断を念頭に置きながら、その場所性や固有性に対しイメージによって介入することを試みた作品だ。「風景から剥がしとった片々」である写真は、いかに場所の記述と共振し、捉えがたいものへと再び接続することができるのか。両シリーズの連関を意識したインスタレーションで、この問いの考察を試みる。
主な個展：自然史より（nap gallery、東京、2019）、自然史_ 北海道・福島・徳島（CAI01、札幌、2014）、地名（LIGHT WORKS、横浜、2002）
主なグループ展、芸術祭等：今も揺れている（横浜市民ギャラリーあざみ野、2018）、札幌国際芸術祭（2014）、 SNOW SCAPE MOERE－再生する風景（モエレ沼公園ギャラリー、札幌、2012）、ノンセクト・ラディカル－現代の写真III（横浜美術館、2004）
作家HP：http://www.fremen.biz/

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自身の故郷であり、さまざまな人種や文化が交差する場所・香港の風景や地理に目を向け、その歴史と急速な社会変化を映し出す詩情豊かな作品を制作する。香港のアーティスト・ラン・スペース*1 ルーフトップ・インスティテュート共同創設者。
《殖物》（2019）は、人間と植物の複雑で情緒豊かなつながりを香港の地政学的アイデンティティと重ねた映像作品。3部構成の本作は、英国統治時代の香港植物園で撮影されたファウンドフッテージと中国古典演劇のひとつである昆劇*2の役者が男性から女性へと姿を変える過程が伏線となり、情感を湛えた自然描写で知られる戯曲『牡丹亭』を軸としたクライマックスへと至る。憂いや悦び、恋慕といった感情の動きが独特な身振りと音、歌によって表現される山場では、戯曲や詩作からの引用と作者の言葉がモンタージュされ、視聴覚と言語の間の揺らぎを生み出している。その揺らぎの感覚とはまさに、近年の民主化運動で掲げられた黒いバウヒニア*3 の旗のごとく、香港に漂う矛盾や戸惑いの不穏さを象徴しているともいえるだろう。
*1 アーティスト自身が運営を行う文化施設
*2 明の時代に発祥したとされる中国の古典演劇のひとつ。『牡丹亭』はその代表作
*3 バウヒニア・ブラケアナは香港原産の植物。別名「ホンコンオーキッドツリー」と呼ばれ、香港特別行政区の紋章にも使われている。
主な個展：殖物（香港ビジュアル・アート・センター、2019-20）、From Whence the Waves Came（アートバーゼル香港内パラサイト・アートセンターのブース、2018）、Victoria East（ヴィデオタージュ、牛棚芸術村、香港、2017）
主なグループ展、芸術祭等：
ジョグジャカルタ・ビエンナーレXV「SEA BREEZE」（クスナディ・ハルジャスマントリ・カルチュラル・センター、ガジャ・マダ大学、2019）、第23回香港IFVA 賞メディア芸術部門最終選考作品展（パオ・ギャラリー、香港アートセンター、2017-18）
作家HP： http://www.lawyukmui.com/

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移住によって生まれる変化やその痕跡、想起される記憶に目を向け、時に特定の状況におかれた個人やコミュニティと共同しながら、写真や映像、テキスト、アニメーションなどさまざまなメディアを用いた作品を制作している。
《つたのクロニクル》（2016）は、土地開発で移植された樹木の軌跡をたどって制作された映像と写真、印刷物、グラフィティによる作品群。移住、労働、共同体などミックスライスが一貫して掘り下げてきたテーマを、植物という物言わぬ存在にまつわる複数のナラティブとして物語っている。人間によって翻弄される樹木の姿には、韓国各地で行われる開発に向けられた真摯なまなざしが映し出され、「昨日もなく、明日もない、いつも今日だけがある世界を作る。そういう場所で、私たちはいかに定着することができるだろうか？」* という問いからは、植物の根や幹枝だけでなく、人間を取り巻く自然・社会環境までをも分断する持続性を省みない開発の課題が示唆される。
なお、植物に目を向けたミックスライスの作品には、《さまざまな方法で進化する植物》（2012）があり、これまでに東アジア文化都市2017京都や東京都現代美術館「もつれるものたち」（2020年6月9日～ 9月27日）など日本国内でも紹介されている。
主な個展：Migrating Flavours（イーストサイド・プロジェクツ、バーミンガム、2018）、Traversal project ‒ mixrice report: welcome, my friend!（アートスペース・プール、ソウル、2010）、A Dish Antenna（オルタナティブスペース・プール、ソウル、2009）
主なグループ展、芸術祭等：Migration ‒ Speaking Nearby（国立アジア文化殿堂、光州、2019）、韓国芸術家賞展（国立現代美術館ソウル館、2016）、東アジア文化都市2017 京都
*《つたのクロニクル》目録より引用
作家HP：http://mixrice.org/

ミックスライスの元メンバー、ヤン・チョルモ氏は、ヤン氏個人に委託されていた事業において元同僚の女性に対し不適切な発言を行ったとして、2020年6月にセクシュアル・ハラスメントで告発されました。同月、ミックスライスはヤン氏を除名し、新たなメンバー構成で活動を継続しています。
「道草展」の主催者である公益財団法人水戸市芸術振興財団は、ハラスメントを許容せず、「事件の解決及び美術界と文化芸術界における性暴力防止のための制度改善の努力に励む」ことを表明したミックスライスの現メンバーとともに、状況の把握に努めてまいります。

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オルローは、作品制作の過程で綿密な資料調査や現地取材を行い、歴史や表象が取りこぼしてきたものに目を向け、記憶を喚起する空間的な作品を制作してきた。2016年から18年にかけて制作された作品群「植物の劇場」はオルローの代表作として高い評価を得てきた。本展では、伝統療法に用いられる薬草を議論の中心に据え、人間界と自然界、伝統と現代、先住民族の権利と知的財産権など対局にあるものをつなぎあわせることでその意味を問い直す映像3部作や、ロベン島刑務所の菜園と黄金色の極楽鳥花の栽培というネルソン・マンデラに関する象徴的なエピソードから、南アフリカの歴史に対する詩的アプローチとして制作された《グレイ、グリーン、ゴールド》（2015-17）を展示。南アフリカ共和国と植民地宗主国との間にあった占領の歴史や今日に至る貿易交流の関係を、植物の視点を通して読み解く作品群の核となる5作品を紹介する。
また、近作《アルテミシアから学ぶ》（2019）では、コンゴ共和国ルブンバシで抗マラリア薬として栽培されているアルテミシアの歴史について調査する一方、現地の女性たちとの継続的な協力関係の構築というアーティストが歴史や現地に介入することの新たな可能性を見せる。
主な個展：Learning from Artemisia（ラ・ロージュ、ブリュッセル、2020）、Soil Affinities（ラボラトワ・オーベルヴィリエ、パリ、2019）、Mafavuke’ s Trial and Other Plant Stories（ザ・ショールーム、ロンドン、2016）
主なグループ展、芸術祭等：ルブンバシ・ビエンナーレ（2019）、マニフェスタ12（パレルモ、2018）、第13 回シャルジャ・ビエンナーレ（2017）。また、ミハイル・カリキスと共同であいちトリエンナーレ（愛知、2013）にも参加している。
作家HP：https://urielorlow.net/

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視覚や聴覚から風景を知覚する方法を探り、フィールドレコーディングによって世界各地の環境にアプローチし、そこで得た素材やコンセプトをもとにインスタレーション、絵画、サウンドパフォーマンス、音響作品などを制作している。
フィールドレコーディングを「瞑想的な狩猟」として捉え、その行為を通して、人間と自然との曖昧な関係性を考察している。
本展では、かつてオホーツク海で聴かれたという「流氷鳴り」をモチーフに制作した新作インスタレーション《息吹のなかで》を発表。自らの経験に基づいた目に見えないものとの対峙のための空間を、「自然とも人工とも言えない、掴みどころのない曖昧なもの」に浸る、没入感のあるサウンドスケープとして構成する。
主な個展：Hyperthermia―温熱療法（NTT インターコミュニケーション・センター［ ICC］、東京、2019）、Temporary Ground（Marueido Japan、東京、2019）、クリテリオム82（水戸芸術館現代美術ギャラリー、2011）
主なグループ展：The Drowned World Anchor－沈んだ世界のアンカー－（Spiral Hall、2019）、普遍的な風景（国際芸術センター青森［ACAC］、2016）
作家HP：http://www.yoichikamimura.com/

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